Archivo de la categoría: Arte y diseño

Las mujeres con tatuajes tienen la autoestima más alta

Todos en el mundo tenemos derecho a hacer con nuestro cuerpo lo que se nos dé la gana. Los tatuajes son una de esas cosas, por ejemplo.

Un estudio de la Texas Tech University, buscó la relación entre el bienestar y los tatuajes. De acuerdo al profesor de sociología Jerome Koch quien dirigió el estudio, descubrió que hay una gran correlación entre las mujeres universitarias, los tatuajes y la autoestima. Los resultados arrojaron que aquellas mujeres que tienen cuatro o más tatuajes tienen los niveles más altos de amor propio.

Otro de los descubrimientos fue que aquellas mujeres que tenían cuatro tatuajes o más, habían sido propensas al suicidio en el pasado, lo cual habla de una apropiación del cuerpo a través del arte en él. Los expertos creen que los tatuajes funcionan como una especie de sanación para las mujeres que han atravesado o salen de un periodo negro en su vida y finalmente reconocen su cuerpo como propio.

Las mujeres transforman esas inseguridades en empoderamiento. Hemos visto que las mujeres reemplazan un seno removido de forma quirúrgica con un tatuaje. Podríamos decir que los tatuajes son una forma de reclamar el sentido de identidad ante una perdida emocional.

“Creo que las mujeres son más conscientes de su propio cuerpo debido a la gordofobia, la industria cosmética, la cirugía plástica y la hipersexualización del cuerpo femenino en los medios”, dijo Koch.

Todas somos libres y podemos hacernos los tatuajes que queramos y dejar de lidiar con los estereotipos negativos. Para muchas mujeres el arte corporal es una forma de aceptarse a sí mismas. Conozco a alguien que dice que “los tatuajes son de gente con problemas mentales” ¡AH OC!

¿Cuál es el próximo que te harás? J

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Cautivantes paisajes sacados de una imaginación muy creativa

Jati Putra Pratama es un diseñador indonesio que gracias a su perspectiva fuera de lo normal, cautivantes paisajes, elementos surrealistas y una gran imaginación se ha hecho popular en la red social Instagram.

Con la ayuda de Photoshop y una imaginación súper activa nos demuestra que nuestra mente es capaz de crear lo que sea. Disfruta de su maravilloso trabajo, no te pierdas las siguientes imágenes.

 

La depresión desde la perspectiva de un hombre

“Afecta tu forma de pensar. Afecta la forma en que te sientes. Afecta la forma en que amas. . . es como una manta que lo cubre todo. . . y es que es tan asfixiante. Hay veces que uno dice: basta ya. Sientes como que ya fue suficiente”.
-Steve Lappen. escritor
La depresión es una enfermedad frecuente en todo el mundo, se calcula que la padecen unos 350 millones de personas, y si bien afecta más a la mujer que al hombre, la mayoría de ellos no lo reconocen, no lo admiten y no buscan ayuda.

Se habla mucho sobre la depresión en las mujeres pero, ¿qué pasa con los hombres? En las diversas culturas del mundo aún está muy arraigada la famosa frase “los hombres no deben lloran”, y esto los obliga a reprimir sus sentimientos desde niños, para así pasar toda una vida ocultándolos o lidiando con ellos a través del alcohol, las drogas y la violencia.

La depresión puede afectar a cualquier hombre a cualquier edad, y claro que con el tratamiento adecuando pueden mejorar y recobrar su interés por la vida, pero el primer paso, y lo más difícil, es aceptarlo y drenar esos sentimientos que tanto daño causan.

Una excelente manera de hacerlo es a través del arte, como el fotógrafo de 21 años Edward Honaker, quien sufrió de una grave depresión y ansiedad durante dos años, lo que lo hizo sentir que estaba en una constante guerra con su mente.

Fue después de que le diagnosticaron depresión cuando comenzó a comprender lo que sucedía en su mente, y decidió tomar su cámara fotográfica para convertir sus emociones en algo tangible; el resultado fue una serie de retratos que capturan su experiencia personal al lidiar con el demonio de la depresión.

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“Todo lo que sé es que me volví malo en las cosas que solía ser bueno, y no sé por qué”.
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“Tu mente es quien tú eres, y cuando no trabaja adecuadamente, da miedo”.

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“Es algo complicado sentir cualquier tipo de emoción cuando estás deprimido, y definitivamente yo pienso que el buen arte puede mover a las personas”.

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Soledad, invisibilidad, tristeza, dolor, suicidio, son algunos conceptos que reflejan las fotografías en blanco y negro de Edward, durante el peor momento de su depresión.

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La importancia del hecho de que Edward hable tan abiertamente sobre este tema radica en romper un poco el estigma social que existe entre la depresión y los hombres, ya que es menos común y más complicado que el sexo masculino hable de sus sentimientos y pensamiento cuando atraviesan este tipo de trastornos.

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Honaker espera que su proyecto logre inspirar a otros no sólo para hablar de este trastorno, sino para impulsar a la gente a aceptar y comprender un poco más a los que luchan con ella todos los días.

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Si padeces depresión, lo primero que debes hacer es acudir con un profesional: está comprobado que recibir tratamiento lo más pronto posible puede aliviar los síntomas, divide tus tareas diarias en grandes y pequeñas; no hagas muchas cosas al mismo tiempo, pasa tiempo con otras personas y habla de tus sentimientos con un amigo (a) o familiar cercano, no tomes decisiones importantes en tu vida hasta que te sientas mejor y lo más importante: piensa que es temporal y pronto pasará.

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Fuente

Huffington Post

Tatuajes inspirados en obras y artistas famosos

Un tatuaje es un grabado en tu piel, algo que se vuelve parte de ti, algo que todos los días debes ver y que no se puede borrar tan fácilmente. Elegir qué es lo que te tatuarás es una decisión complicada y para no cometer errores y arrepentirte el resto de tu vida, debes conocer “eso” que simboliza algo importante para ti, que al verlo te haga feliz y te enorgullezcas al verlo formando parte de tu cuerpo.
Estamos acostumbrados a ver las obras de arte más famosas en museos y fotos, pero ¿qué pasaría si tu piel fuera un lienzo y la obra de tu artista favorito estuviera plasmada ahí, en alguna parte de tu cuerpo?

Gracias a los tatuajes esto es posible, tatuarte a tu artista u obra de arte favorita es una excelente opción si estás buscando grabar algo en tu piel, porque además de verse lindo te convertirá en una pieza de arte viviente.

 

Te mostramos algunos tatuajes de artistas famosos que te inspirarán a tatuarte.
Frida Kahlo geométrica

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La obra de Frida Kahlo “Vendado herido”


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“Las Fridas”

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Inspirados en la técnica de Jackson Pollock

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Inspirados en la obra cubista de Picasso

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O en Bansky

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La cara de Dalí

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O que celebre su obra…

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“La danza” de Henri Matisse

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O estas flores…

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La famosa corona de Basquiat

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O un colorido tatuaje inspirado en el trabajo de Roy Lichtenstein


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O la rueda de Marcel Duchamp

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O uno Inspirado en el trabajo surrealista de Joan Miró

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En The Great Wave off Kanagawa de Hokusai

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Algo simple del arte de Keith Haring

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O del pintor surrealista René Magritte

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Retratos entre tela por Benjamin Shine

A veces olvidamos el poder que tienen los materiales, pero el artista londinense: Benjamin Shine, lo tiene muy claro en su último proyecto: Tulle Works (Trabajos de Tul).

Shine proviene de una familia que ha trabajado en la industria de la moda por generaciones, por lo que tiene una curiosidad natural por encontrar nuevas formas de trabajar con tela. Hace poco comenzó a desarrollar una técnica en la que dobla y plancha una tira larga de tul para crear figuras y retratos, utilizando los dobleces traslucidos del tul.

Fue comisionado por el Canberra Centre en Australia para crear una pieza de sitio. Shine se dio a la tarea de crear una serie de retratos que literalmente flotaran por el espacio.Los más de 200 metros de tul que componen The Dance (El baile), pintan cinco imágenes en las que podemos observar el rostro de una mujer y un hombre, así como tres escenas de baile.

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La complejidad en la técnica se ve oculta por las cualidades del tul, con las que se crea la ilusión de flotar sin esfuerzo en el aire. Esta característica se complementa con la clara relación que existe entre el tul y el ballet.

Gracias a las poderosas luces que iluminan el fondo, se observa la multitud de pliegues que pintan las formas y que se disuelven en el aire. Los colores se mezclan y se suman a la sensación de ingravidez que permea la instalación.

Visto en: Cultura Colectiva

Fotógrafo de la globalización y el capitalismo: Andreas Gursky

Se dice que la fotografía documental pretende registrar e informar acerca de las formas y las condiciones de vida. Adreas Gursky, fotógrafo alemán contemporáneo, parte de la tradición documental para retratar a la humanidad desde un enfoque diferente.

Las fotografías de Gursky buscan una representación de la era de la globalización y capitalismo, de la forma de vida en masa y de la manera de consumir y producir en el mundo contemporáneo. Es por eso que las perspectivas que elige el fotógrafo buscan encuadrar un campo amplio que capture la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez del humano.

Asimismo, la repetición juega un papel importante en su obra, muchas de sus fotografías se realizan al interior de fábricas, supermercados, complejos de edificios, bolsas de valores, y otros lugares en donde la repetición parece no tener fin.

La obra de Adreas Gursky muestra la visión personal del autor acerca del mundo actual y nos recuerda que somos parte de una sociedad en la que solamente formamos parte de un estructura, como abejas en un panal.

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   Visto en: http://picnic.co

4 diseñadores de moda rinden homenaje a 4 disciplinas artísticas

El Museo de Historia Natural, recinto que ha servido para que las generaciones mexicanas sean testigos de la evolución del hombre, fue el escenario que Nook Mx eligió para presentar su edición Otoño/ Invierno de este año. Y aunque el museo podría llegarse a considerar un lugar atípico para llevar a cabo una pasarela, fue el escenario perfecto para dar a conocer las propuestas de cuatro talentosos diseñadores mexicanos y demostrar que la moda, al igual que los seres humanos, está en constante evolución.

Y es así como la ropa ha dejado de ser una necesidad, para convertirse en una representación de identidad, tanto cultural como individual.

Cada una de las colecciones que Nook presentó en este edición tiene un denominador común, detrás de cada una existe una inspiración artística.

Cada diseñador rindió un pequeño homenaje a una disciplina.

Fotografía – Yakampot

Francisco Cancino, diseñador de la marca, decidió inspirarse esta temporada en la vida y obra de Gertrude Duby Bloom, una fotógrafa suiza que vivió en Chiapas.

El acercamiento al trabajo de la artista no fue literal, sino en su legado, la esencia de Gertrude y lo que transmitía en sus retratos.  En esta colección predominó el uso de siluetas holgadas que combinadas con motivos drapeados le daban un toque femenino con aires de folk, pero sin perder la esencia mexicana que caracteriza a la marca.

En la paleta de colores predominó el café, azul, negro y rojo, que nos remitió al cálido otoño de la selva chiapaneca.

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Pintura – Alfredo Martínez

“Tacto” fue la colección con la que Alfredo Martínez debutó en Nook y la cual rindió homenaje al trabajo del pintor cubano Ulises González.

Por la pasarela desfilaron blusas, faldas y vestidos que reflejaban la estética vanguardista que caracteriza a este artista y que contrastaban con una paleta de colores sobria en la que el blanco, negro, azul, rojo y amarillo fueron los protagonistas.

La colección de Martínez logró un balance entre lo sporty, una de las tendencias más fuertes de esta temporada, lo urbano y lo sofisticado.

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Geometría – Cihuah

Su formación como arquitecta ha contribuido a que las piezas de Vannessa Guckel, creadora y diseñadora de Cihuah, tengan una carga geométrica muy notoria.

Su propuesta minimalista y simple, se caracterizó por el uso de materiales como piel, neopreno, algodón y vinil, además de solamente incorporar los colores negro y blanco.

Fue la única diseñadora de la plataforma en incluir prendas masculinas, demostrando que la evolución no sólo es un concepto en los museos, sino que está presente también en la moda.
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Arquitectura – Kris Goyri

“Barragán” de Kris Goyri fue la colección encargada de cerrar con broche de oro la edición Otoño/ Invierno 2015 de Nook.

Como el nombre lo dice, el diseñador tomó como inspiración el trabajo del arquitecto Luis Barragán y lo tradujo en prendas femeninas con cortes limpios, siluetas estructuradas y motivos geométricos.

Rosa mexicano, azul rey, rojo y amarillo son colores representativos en la obra del arquitecto mexicano y que formaron parte de la paleta de tonalidades que el diseñador eligió para crear una colección con raíces muy mexicanas, que combinada con algunos de los materiales favoritos de Goyri como la organza, el chifón y la tafeta, logra un estilo sofisticado y etéreo.

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Visto en: http://picnic.co/

Fab Ciraolo; magia cósmica

Cuando naces con talento no necitas decidir qué quieres ser cuando seas grande, tan sólo basta con descubrir tu camino y adentrarte en un mundo desconocido que tiene preparadas grandes sorpresas en esa llamada búsqueda de la felicidad. Fab Ciraolo nos cuenta sobre su trabajo, su experiencia y cómo ha sido romper esquemas con lo que se desprende de su imaginación como artista visual.

¿Para qué adentrarnos en sobradas definiciones sobre el Lenguaje Visual? Sólo es necesario que eso que alguien creó te diga a ti algo, no necesariamente lo que le dice a su autor o a ese alguien que la verá dentro de unos años más. El ilustrador chileno Fabian Ciraolo desde el momento en el que comenzó a dibujar supo que lo único que quería era pasarla bien.

“Soy artista porque desde que tengo uso de razón lo mejor que he hecho siempre ha sido dibujar, me gusta mucho hacerlo porque creo que nací dibujando, no hubo un momento en el que me diera cuenta que eso quería hacer, desde hace mucho que trabajo como ilustrador en Chile y si algo me llevó a dedicarme a esto fue poder hacer lo que yo quisiera, sentirme libre y no tener que depender de nadie para poder mostrar mi arte, mis primeros cuadros los empecé a vender a los 10 años”.

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Si bien la composición es importante como colores, símbolos, códigos y mensaje también lo es que sea original, fresco y ¿por qué no? Atrevido. Las obras de Ciraolo conjugan importantes personajes en situaciones y con estilo que jamás imaginamos, los saca de contexto para sorprendernos de forma grata.

“Los personajes los pienso al azar, porque me interesan estéticamente no sólo por su carrera o su importancia social, me reto a hacer algo diferente, por ejemplo si tengo a Lady Gaga ¿qué más puedo hacer con ella cuando creemos que ya todo está hecho? siempre debe de haber algo que te haga jugar un poco y sobre todo descontextualizarlo de su entorno, de su realidad y de la presencia que tiene, llevar algo antiguo hacia lo nuevo”.

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De esta forma le gusta provocar algo con sus imágenes, no siempre el objetivo es la provocación pero sí transmitir algo que el receptor no haya experimentado, lo mismo puede poner a Picasso, a Frida Kahlo e incluso al Dalai Lama pero siempre su principal motivo ha sido llegar a algo interesante, siempre se le están ocurriendo cosas para hacer.

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“La mente siempre va un poquito más rápido que la mano entonces trato de bajar la idea lo más rápido posible con lo que se me ocurre y descubrir algunas técnicas nuevas en cada ilustración, quiero que sea una sorpresa para mí y para quien lo verá”, nos cuenta.

El arte es arte por el simple hecho de que para todos tiene un significado diferente y especial, cada admirador podría definir lo que ve de distinta forma pero para Fab no, no hay definición alguna. “Trato de no definirla, no me gusta, hace poco alguien me dijo que podría ser un surrealismo punk y me gustó el término, tengo una línea definida pero no tengo un estilo muy claro de lo que quiero hacer creo yo. Todo eso de involucrar la galaxia, nebulosas, referencias al universo y demás es para acompañar la grandeza de los personajes, siempre he utilizado las estrellas y cosas así porque estéticamente me llama mucho la atención, de pronto de obsesiono con una cosa y la quiero poner por todas partes hasta que me asqueo un poquito de verlo tanto”.

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Nos explica que su técnica se basa primero en tener un boceto a lápiz, después armar el tipo de ropa que va a llevar, la pose, los colores y ya que tiene el borrador se ponen y quitan detalles, haciendo sombras con lápiz hasta que quede algo a escala, trabaja con acuarelas, acrílicos y después lo digitaliza y se agregan más detalles, más sombras, más colores, fondos, atmósfera y efectos. “Trabajo con un 50% a mano de forma tradicional y la otra digitalmente, por eso me considero ilustrador no artista como tal. Hay un brillo particular de cada personaje que ilustro porque hay diferentes texturas que se pueden trabajar y así se nota que hay muchos más elementos de fondo; nunca le he tenido miedo al papel en blanco, creo que tener una hoja de papel en blanco es lo mejor que te puede pasar en la vida porque no te limita a nada, puedes probar un sin límite de cosas porque pruebas las veces que te plazca”.

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Ilustrador, como él se dice, o artista, como los demás lo vemos, nos preguntamos hacia dónde lleva su trabajo, si es que tiene un discurso o intensión planteada desde que toma el lápiz y comienza a dejarse llevar.

“Puede que se perciban algunos elementos políticos, sociales o ideológicos pero esa no es la intención. Trato de no tener ese tipo de discursos porque realmente no me importan, no voy hacia ninguna postura política y no me interesa la religión tocar ese tipo de temas obviamente van a generar algún tipo de rechazo o algo positivo, por ejemplo el de la Madre Teresa no tiene nada de religioso, sin embargo es ruidoso porque fue inspirado en las fashion bloguer que se toman fotos con el teléfono frente al espejo para mostrarnos lo que se ponen día con día y Teresa siempre usó lo mismo, entonces ese tipo de contraste es lo divertido, ya no haría a Jesús vestido muy fashion porque no hay personaje más manoseado que Jesús, aunque quizá en algún momento si me interesa o si quiero quejarme por su puesto que lo haría a través de mis dibujos”.

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¿Lenguaje visual? ¿En realidad se trata de prácticas comunicacionales distintas relacionadas al tiempo y al espacio?

“Siempre estoy abierto a hacer algo que sirva a la sociedad, que sea un aporte. Toda obra de arte debería servir para algo, hacer por hacer no me interesa porque siempre pienso el camino que va a seguir y si el resultado no va a ser lo esperado. A veces te encuentras con límites estéticos, cosas que no funcionan pero eso te permiten volver a hacer, volver a equivocarte, volver a reformarte ideas”.

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Entre tanta pregunta y con respuestas tan subjetivas Ciraolo confiesa que el mejor arte viene de América latina por la cultura y su gente.

Obviamente un trabajo como el de este chileno no puede desprenderse del lenguaje musical, consume todo tipo de música, desde la clásica, la que hace referencia en sus obras hasta narcocorridos –excepto Reggaeton- pero nunca debe faltar en el reproductor Babasónicos, su banda de cabecera. Por ahora se encuentra planeando entrar al diseño textil.

“No sé si vaya a ser lo que visten los personajes que pinto o algo diferente porque no quiero que sean prendas de fondo sino algo fuera de lo común, podría ser con alguna marca ya establecida y no como un sello propio porque no es sencillo hacerlo de forma independiente, también voy a comenzar a hacer mucho trabajo en mural, todo fluye de forma increíble”, así termina.

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En conclusión el lenguaje visual será aquella capacidad humana de simbolizar y poder representarnos la realidad  y para interpretarla a cada momento de formas distintas.

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Zim & Zou, los artistas del origami moderno

El origen delorigami se remonta a tradiciones religiosas en Asia. Por ejemplo, en China, el papel doblado era utilizado como parte de los rituales funerarios donde se le prendía fuego al papel como homenaje al difunto, una práctica que desapareció casi por completo durante la Revolución Cultural en dicho país. Por otra parte, en Japón, el papel doblado uorigami (que se traduce como doblar papel) era utilizado para crear mariposas que eran usadas durante las bodasShinto. A partir de ello, elorigami evolucionó hasta estar presente en múltiples ámbitos sociales de la cultura japonesa.0de3344d12e3784a3815943d19a18916-1

A pesar de que el origami es considerado como una práctica tradicional en Asia, en Europa también se desarrollaron diferentes hábitos de doblar materiales. Por ejemplo, en el Siglo XVII, las familias más acaudalas del continente gustaban de presumir servilletas dobladas en formas de animales como símbolos de estatus. Y quizás la referencia más importante que existe en Europa sobre el arte de doblar el papel es la de Friedrich Froebel y su método “Kindergarten”. Dicho sistema consistía en la educación de los seres humanos desde temprana edad para maximizar el potencial humano. De este modo, se instauró el modelo educativo para los niños en edad de preescolar donde se desarrollan actividades basadas en el juego, en el canto, interacción social y dibujo. Dentro de las múltiples actividades de los niños, Froebel incorporó el doblado de papel como un mecanismo para potencializar el desarrollo humano.

Durante la apertura de Japón al mundo en la década de 1860, el gobierno incorporó el sistema Kindergarten de Froebel y con ello, las ideas alemanas sobre el doblado de papel, mismas que se fusionaron con la tradición japonesa y repuntaron el arte de doblar papel. Sin embargo, como era de esperarse ante el desarrollo humano a lo largo y ancho del globo, la técnica no ha cesado en su innovación.

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Zim & Zou son dos artistas franceses radicados en Nancy, Francia. Sus nombres reales son Lucie Thomas y Thibault Zimmermann. Ambos estudieran diseño durante tres años y decidieron especializarse en las instalaciones artísticas con objetos hechos a mano, puramente hechos con materiales tangibles como el papel, la madera y el hilo. Se trata pues, de la asociación de dos artistas que dejaron atrás el diseño en una computadora para volver a herramientas como el papel y la tijera.

Todas las instalaciones de Zim & Zou están hechas a mano y gran parte de su trabajo consiste en el dibujo, el cortado y el armado del papel de colores. Según su página oficial, el duo francés explica que halla en el papel una inspiración basada en su versatilidad, rango infinito de colores y en las texturas únicas del papel, además claro de que el trabajo con papel significa de poesía en material efímero.

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El trabajo de los artistas ha trascendido redes sociales pues desde hace un par de años trabajan también en el diseño de campañas publicitarias para empresas como Hermés, IBM, TIME y Microsoft.

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Te compartimos las redes oficiales de Zim & Zou

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Datos curiosos sobre la fotografía

La fotografía es una de las formas de expresión artísticas más populares y versátiles del mundo. Es una herramienta accesible para todos y puede usarse de manera cotidiana, más aún con las cámaras del propio celular. Además de ser una producción expuesta por medio de distintas plataformas en el mundo, desde formatos digitales como en redes sociales hasta museos y exposiciones físicas, es fácilmente apreciado y creado por quien se lo proponga.

No se puede olvidar que también es una gran manera de almacenar momentos y recuerdos vividos; viajes, cumpleaños, bodas, festejos, lugares visitados, personas importantes, mascotas, graduaciones, un atardecer, la playa, etcétera…existe un sinfín de imágenes que se pueden inmortalizar y compartir con quien se deseé. Incluso realizamos todas estas funciones fotográficas de manera automática, sin darle muchas vueltas las hemos asumido como parte de nuestra cotidianidad y las usamos como un método instantáneo para retratar lo que nuestros ojos presencian; pero ¿qué tanto nos cuestionamos acerca de lo que implica la fotografía? ¿Se han analizado los cambios que se generaron a raíz de las cámaras? Tanto la vida cotidiana, el arte, y la manera de documentar la historia, se han visto alteradas como consecuencia de la fotografía; tener la fotografía tan a la mano y tan cercana a nosotros constantemente, ha generado una serie de cambios en la historia.

Muchas cosas han cambiado desde su invención y muchas otras se han creado, pero a continuación vamos a compartir 10 datos curiosos de la fotografía que nunca habías pensado.
 1. Antes de la fotografía, nadie sabía cómo se veía de niño

¿Lo habían pensado? Antes de poder documentar la imagen de las personas en fotografías, no había una manera tan fiel a la realidad -como lo es la foto- de ver cómo nos veíamos de niños. Sólo por descripciones de padres y conocidos era posible darte una idea de tu propia apariencia en tus primeros años.
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2. ¿En cuántas fotos de desconocidos aparecerás?

Es un tanto extraño imaginar cuántas personas en el mundo te tendrán en sus álbumes de viajes o recuerdos familiares como parte del fondo en sus fotografías. O piénsalo al revés, cuántas veces aparecen desconocidos en el fondo de tus fotografías. ¿Con cuántos de ellos de volverás a cruzar en la vida? Es un poco desconcertante si lo analizas demasiado.

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 3. Hoy en día, en el mundo se toman más fotos en 2 minutos que toda la humanidad tomó en el Siglo XIX

Es impresionante comparar la cantidad de información e imágenes que se generan hoy en día en comparación con el pasado. El fácil acceso y la popularización de las redes sociales han impulsado el uso de las fotografías como herramienta narrativa en la vida diaria de las personas, en vez de sólo para uso conmemorativo como antes.

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 4. La foto que se expondrá en tu funeral tal vez ya existe

Como es costumbre, en los funerales se expone una foto del difunto para recordarlo en un buen momento. Puede ser que tu mejor foto ya exista, sí, aquella que quizás sea expuesta el día de tu funeral. Aunque jamás lo sabrás.

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 5. Los dos extremos de una fotografía panorámica muestran diferentes puntos en el tiempo

Para tomar una fotografía panorámica se requiere de tiempo y movimiento para capturar una imagen más amplia y extensa. Entre el momento en que comienzas a tomar la foto y en el que la terminas pasan unos cuantos segundos, mismos que nos permiten decir que una misma fotografía logra capturar dos momentos en el tiempo.

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 6. Una fotografía es como un screenshot de la vida real

Al igual que puedes capturar la imagen de pantalla de tu computadora o celular en un momento preciso y exacto, al tomar una foto es como si estuvieras tomando un screenshot de lo que estás presenciando en ese mismo instante. Se queda registrado físicamente, no sólo en tu mente.

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 7. El total de fotos en Facebook es 10,000 veces mayor que el número total de fotos en la Biblioteca del Congreso Estadounidense

En esta biblioteca se encuentran archivos que documentan la historia desde su origen, y aun así, hay más fotos en Facebook; un medio digital que tiene no más de 10 años de existir. A nadie le cabe duda que estamos en la era de la información.

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8. Antes de la fotografía, nadie sabía cómo se veía con los ojos cerrados

Un dato que puede parecer inútil, pero es totalmente cierto. Antes de la fotografía, con la existencia de los espejos era posible ver el reflejo de uno mismo de manera inmediata y presente haciendo todo tipo de gestos y expresiones, sin embargo, teniendo los ojos cerrados sigue siendo imposible ver tu reflejo. Un reto que la fotografía nos ha resuelto.

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9. Una vieja foto de ti, es una foto de ti joven

Es un poco irónico pensar que una fotografía que te muestra de pequeño es una fotografía antigua, que incluso podría llegar a tener más años que tu mismo en el momento que fue tomada.

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 10. Los lentes de cámara son circulares, pero las fotografías son rectangulares

Claro que hay una respuesta lógica para este hecho; los lentes redondos son más fáciles de pulir y limpiar, sin embargo, el sensor de la cámara tiene una forma rectangular (al igual que la imagen por el obturador) que las corta de esta forma automáticamente. Es el formato más estético y aceptado por las personas para tener las fotos impresas, pero cuestionárselo es más común de lo que crees.

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Referencia: Petapixel y http://culturacolectiva.com

Sociedad y tecnología: Un mundo cada vez más inmerso en otro mundo

Cada vez más nos hundimos en el universo tecnológico, lamentablemente su uso es tal que en lugar de beneficiarnos nos perjudica. Se reconocen los enormes avances que gracias a ella se tienen, pero mientras la ciencia avanza, nosotros como seres humanos nos estancamos en un mundo virtual. Pareciera como si quisiéramos meternos a la pantalla de nuestro celular porque ese “mundo” es mucho más interesante que nuestro mundo, el mundo real.

Jean Jullien es un diseñador que mediante ilustraciones da a conocer la omnipresencia de los teléfonos inteligentes y de la manera en que la sociedad moderna es envuelta por la era de Internet. “News of the Times” es el nombre de su proyecto.

La ironía de la vida humana ilustrada en 19 cómicas imágenes

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EL APODERAMIENTO DE LAS REDES SOCIALES: “YA NO CONTROLO MI VIDA.”

El mundo se encuentra atrapado gracias a la adicción que las plataformas sociales provocan en comunidades enteras. Esto, merma de manera importante, frena la capacidad de relacionarse con los demás; así como también las actividades diarias y por supuesto, el contexto entero en el que se desarrollan. Seguir leyendo…

La motivación que nos hizo plasmar nuestra piel, liberarnos a través de ella…

Encontré unas imágenes padrísimas de un tatuador español de nombre Eterno, sí “eterno” y es que él le hace honor a su nombre por medio de los tatuajes, ya que éstos son considerados como un medio para retar al olvido. Sus manos expresan trazos simples pero cargados de convicciones. La piel se transforma en una agenda, en un libro, en un manifiesto vital en la cual puedes plasmar tu estado de ánimo, tu personalidad, tus pensamientos, todo lo que te conforma como ser humano, TODO.

Un tatuaje es un fragmento de nuestra vida, un significado que jamás olvidaremos y cada que se llegue a hacer contacto con los ojos, automáticamente recordaremos esa sensación, esa motivación que nos hizo plasmar nuestra piel, liberarnos a través de ella. La vida es tan revoltosa, tan confusa que muchas veces perdemos el rumbo y necesitamos a como dé lugar algo que nos redirija al camino. Un mensaje, una guía, un aliciente al que aferrarnos. Imagina que cada uno de tus tatuajes son eso, una guía, un recordatorio constante de lo que realmente importa para ti, para tu mundo.

Aquí te dejo algunas imágenes y el Instagram de este maravilloso artista que con su máquina y un poco de tinta crea el camino y los ideales de las personas.

Erika Craig

La artista, Erika Craig, captura la belleza multi-facetica debajo de la superficie del agua en su serie de bellas pinturas de oleo. Las obras se enfocan en las mujeres sumergidas cuyos reflejos están desorientados por el líquido en movimiento constante. Figuras abstractas y colores con meandros se entrelazan con los cuerpos de las mujeres hasta que están completamente envueltas en el agua tocado por el sol. El ser humano y la naturaleza parecen ser uno solo.

Para Craig, el agua representa una renovación espiritual y corporal al igual que la vida y la muerte.eirescei7 eirescei6 eirescei5 eirescei4 eirescei3 eirescei2Visto en: http://www.caracteres.mx

Influencia del color en el trabajo

Los colores son escenciales en nuestra vida diaria, no sólo en la ropa que usamos, sino también en nuestro entorno, ya sea en el hogar y sobre todo en el lugar de trabajo, el color aunque no lo creas, influye en la productividad diaria y en el humor. Todos los días llegas a tu oficina y realizas la misma rutina, y así pasan horas y horas, te pones de malas y todo es gris, ¿Te has puesto a pensar que los colores de tu oficina no son adecuados y eso influye en ti?

Aquí te dejo los tonos ideales para decorar una zona de trabajo.

Colores de tonos bajos y fríos

Los colores que más encontramos en la naturaleza, como el verde y azul claro, mejoran la concentración y la eficacia. Lo mejor de todo es que dejan una sensación de bienestar en el trabajador, por lo que los que están en contacto con dichos tonos de colores suelen ser más felices y satisfechos. Su esfuerzo también será notoriamente mejor. Azul y verde son los más recomendados.
Está comprobado que cuando una persona tiene un proyecto relacionado con creatividad, al ver el color verde lo ayuda a relajarse y activar mejor su mente para explotar al máximo su creatividad.

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Colores intensos

Los colores que invocan la pasión y emoción suelen encontrarse en fechas como San Valentín. Son tonos alarmantes y activos que captan la atención del ojo y provocan una reacción de aumento en el ritmo cardiaco y flujo de la sangre. Son los colores ideales para llamar la atención de los trabajadores en algo que deben detectar. El color ejemplar es el rojo pues aumenta la productividad de quienes interactúan con dichos colores.

Hay que tener cuidado con estos colores, porque a pesar de sus muchos beneficios, también tienen desventajas. El exceso de éstos colores pueden provocar agresión y/o estrés; por lo que es recomendable usar estos tonos en sitios donde los trabajadores no pasan tanto tiempo.

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Amarillo suave

Según los psicólogos, es el mayor generador de mentes positivas debido a su frescura y energía. Si trabajas en una oficina en la que la creatividad es tu herramienta más importante (artistas, escritores, diseñadores, etc.), el amarillo es el gatillo para inspirar ideas innovadoras. Aparte de lo ya mencionado, el amarillo es un color que provoca felicidad a quien trabaja junto, pues ayuda a mejorar el autoestima ya que lo relacionamos con el buen humor. A pesar de sus buenos efectos, el saturar una habitación de amarillo puede agitar a las personas, por lo que es mejor combinarlo junto con otros tonos para que se diluya un poco.

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Boomingdales: Rompiendo paradigmas en la moda. Vestidos con crayolas

Una tienda departamental en Estados Unidos llamada Boomingdales, decidió revolucionar los aparadores y creó una colección de vestidos de alta costura confeccionados con crayolas. Cada pieza de ropa fue diseñada inteligentemente para lograr un estilo único: desde la más simple hasta la más “refinada”.

Los diferentes colores de las crayolas se utilizaron para dar los detalles adecuados a cada modelo. La tienda sólo recomienda que los compradores no utilicen la prenda al sol pues es probable que los crayones se derritan.

Los vestidos están actualmente en exhibición en las vitrinas de la tienda ubicada en la calle 59 en Nueva York.

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Me enamoré de un caballo

Fotografías del artista chino Maleonn

Siempre escuchaba su música, pero aún no sabía quién era él. Me habían dicho que se trataba de alguien misterioso. De alguien que se escondía en la parte subterránea de la ciudad para tocar su violín, incansable.

Un día, mientras subía las escaleras del metro, una melodía oscura y deliciosa llegó a mis oídos. Decidí seguirla aunque para ello tuviera que colarme entre las vías polvorientas.

La música era cada vez más intensa. Mis pies estaban llenos de roña. Seguí caminando hasta un pequeño trozo iluminado.

Allí estaba él y allí estaba su secreto.

El misterioso violinista, en realidad, era un caballo.

No sé quién se asustó más, si él o yo.

Nos miramos de frente, muy serios. Por un momento pensé que saldría corriendo, pero lo cierto es que empezó a tocar una canción más suave.

Despacio, caminó hacia una puerta luminosa. Entendí que lo que quería decirme era que le siguiera.

Eso es lo que hice.

Sin decir palabra, el hombre caballo era capaz de expresarme muchas cosas.

Su soledad, su tristeza, su corazón solitario.

La música era su manera de expresar ese llanto. Ese grito con el que conseguía enamorarme paso a paso.

Me enamoré de un caballo

Comenzamos una relación extraña y silenciosa. Nuestra vida consistía en jugar al escondite. En acariciarnos nuestras respectivas pieles blancas. En enredar nuestros dedos en la cabellera de uno y de otro, hasta conseguir hacer una música tan íntima como la del violín.

Me enseñó muchas cosas.

Me enseñó a ser salvaje y distinta.

Me enseñó cómo comer, cómo bailar, cómo comunicarme con los seres extraños que viven bajo la tierra de nuestra ciudad.

A su lado, nada me importaba.

A su lado todo era descubrimiento y paz.

Aprendí que él no era el único de su especie.

Un día mostró a su tribu, y entendí que aquellas personas eran antiguos hombres que, cansados de la vida de la ciudad, habían creado su propio mundo subterráneo. Allí estaban tranquilos. Allí nadie les decía lo que tenían que hacer e incluso eran capaces de trotar a sus anchas, más libres y hermosos que nunca.

La primera vez que me atreví a hablar fue para decirle a mi hombre caballo que mi único deseo en la vida era ser como él.

¿Cómo dices ‘te quiero’ cuando no puedes hablar?

¿Cómo correspondes al cariño cuando el amor parece imposible?

¿Cómo desafías a la naturaleza y al destino, para crear tu propia historia?

Había pasado tantos días allí abajo, que me olvidé incluso de mi vida en la ciudad.

No me importaba llevar la misma ropa siempre. No me importaba bañarme con agua oscura. No me importaba comer hojas y frutos secos que criábamos en las habitaciones de nuestra enorme mansión: esa que cada día construíamos entre los vagones oscuros del metro.

Nuestra vida era una canción. Una música de cañerías. Un tango animal.

Quiero ser como tú, repetí.

Quiero ser la mujer caballo, le supliqué.

Entonces sonó un relincho tremendo, un temblor en el subsuelo, y así es como comenzó mi conversión.

Lo único que sé ahora del amor es que nunca es imposible.

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Ilustraciones de Rayuela: Julio Cortázar

Rayuela es una de las obras más importantes del escritor Julio Cortázar. Su publicación en 1963 fue el parteaguas en la narrativa universal y liberó a generaciones enteras de escritores. Es una obra cuyo formato es tan libre que explica por medio del ejemplo que en la literatura y en el arte no hay moldes rígidos, y que es responsabilidad del artista ser incisivo y descubrir nuevas formas de narrativa.

Cortázar, el cronopio, se inmortalizó con esta obra, y los personajes que cobran vida en sus páginas desde ese 3 de octubre se unieron al imaginario colectivo de toda América Latina.

Hace tiempo circularon por Internet algunas ilustraciones que mostraban visualmente ciertos fragmentos y frases de este libro. Cultura Colectiva nos comparte sus hallazgos, con la esperanza de que las ilustraciones les comuniquen algo y los ayuden a revivir fragmentos memorables de este libro que contiene muchos libros y que cambió la manera de entender la literatura:

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 Celeste Ciafarone se encargó de ilustrar rayuela. Esta ilustradora comparte nacionalidad con Cortázar. Actualmente vive en España y es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia.

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Cosas divertidas que puedes hacer con un pene

¿Te has puesto a pensar en lo multitask que puede ser el pene? Sí, ya sé lo que estás pensando, pero déjame decirte que no sólo para eso funciona… También sirve para saltar la cuerda, comer helado, para batir un huevo, cantar una canción, sostener una bandera, para no caerse en el metro, para amasar la masa para las galletas, para tocar la puerta, para escribir.

Marion Fayolle de origen francés es una joven ilustradora que ha sacado varias carcajadas a sus seguidores por medio de sus ilustraciones. Ahora se ha adentrado al mundo editorial con un libro que habla sobre la vida en pareja. Marion mira los sexos de sus personajes e imagina cosas completamente distintas. Todo es lo que parece y todo parece lo que no es.

“Los traviesos” es el nombre de su libro publicado inicialmente en España por la editorial Nórdica. Hay algo de travesura aquí, sí, y también de incorrección. Le gusta jugar con los límites del humor, y a través de sus escenas cotidianas nos invita a un erotismo jocoso, o quizá, más bien, a una reivindicación de la intimidad a través de elementos desconcertantes. ¿Para qué sirven si no nuestros órganos sexuales si no es para carcajearse con ellos?

Historia de la ropa interior femenina

RopaInteriorFemeninaLas mujeres empezaron a utilizar ropa interior en el siglo XIX, anteriormente, no llevaban nada debajo de su vestimenta ya que se consideraba que sólo las prostitutas y las actrices eran propias de usarlos, pero no las damas decentes. En cambio, los hombres ya utilizaban este tipo de ropa. Se colocaban por fuera y eran calzones largos sujetados por un braguero, marcando los genitales. Tal vez la vulnerabilidad de los órganos masculinos promovió el invento, mucho más antiguo, de la ropa interior masculina (celtas y germanos ya los usaban desde el remoto siglo VI). También se conoce el taparrabos egipcio, primer vestigio del afán de proteger una zona tan delicada de las inclemencias del clima y que consistía, básicamente, en un trozo de tela triangular que se ataba a la cintura. Los primeros materiales para elaborarlos fueron el lino, el algodón y el cuero.
Braceros Medievales, 1244-1254, autor desconocido
En la antigüedad grecorromana, las mujeres usaban algunas prendas que podrían considerarse ropa íntima con fines estéticos o higiénicos. Utilizaban ciertas ropas de ciertas telas para resaltar sus cuerpos, valiéndose de ellas para seducir. En aquella época, también constituían un indicio de su nivel social y de su estado civil.
Desde tiempos homéricos, se dice que Afrodita le dio un ceñidor a Hera para reconquistar a Zeus. Este ceñidor, llamado zóster, estilizaba la figura y dejaba los senos al aire y sostenidos hacia arriba. Ante tal provocación erótica, Zeus cayó rendido, lo cual se reflejó en la popularidad de que gozó esta prenda entre las mujeres.
Detalle. Diosa de las serpientes, cultura minoica, llevando un zóster

Las casadas usaban también otra prenda para sujetar el pecho (que es el antecesor de nuestro sostén), llamada apodesmo, y solía ser una tela de vivos colores y adornada con mucho esmero.

La transición histórica entre el desenfado antiguo, ansioso por mostrar las maravillas del cuerpo femenino, y el rigor ascético de los primeros fieles cristianos podría explicar en parte el aparente desinterés por colocarse ropas que no fuesen funcionales.

En la Edad Media hasta los médicos creían que lavar a menudo las zonas íntimas femeninas, o cubrirlas, era dañino, por lo que recomendaban “mantenerlas aireadas” para que su humedad natural no las pudriera. Obviamente las mantenían aireadas bajo las faldas. Las mujeres solían vestir una especie de sayo de lino bajo los vestidos con el fin de no ensuciarlos, y pasaban con él hasta varias semanas, así es, no se lo cambiaban.

Consciencia corporal: María Lassing

María Lassnig (1919-2014) buscó en sus representaciones estéticas hacer un viaje hasta lo más primitivo del ser humano, directo a su psique. Representando totalmente al cuerpo humano sin represiones ni tapujos. Sus obras representan sus propias vivencias corporales; la naturaleza del propio cuerpo, la enfermedad; la vivencia de la II Guerra mundial. Lassnig se convirtió en una de las artistas más innovadoras de la escena contemporánea del arte. Fue la primera artista femenina en ganar el Premio Estatal de Gran Austria en 1988, además de recibir en el 2013 el León de Oro concedido por la Bienal de Venecia, en reconocimiento a toda su trayectoria artística.

Bajo las influencias de varios artistas surrealistas como André Breton o del expresionismo abstracto, cada uno de los auto retratos genera un impacto visual, transmitiendo la prohibición de la libertad individual sobre el cuerpo.

ML5“Me pongo desnuda delante del lienzo, por así decirlo. No tengo ningún plan o propósito, fotografía o modelo. Dejo a las cosas pasar. Sí tengo un punto de partida, en donde sé que lo único real son mis sentimientos y los confines de mi propio cuerpo. Son sensaciones fisiológicas; como siento la presión cuando me siento o me acuesto. También sentidos sobre mi cuerpo en el espacio. Son cosas difíciles de describir”. – María Lassnig

Por lo tanto, sus obras no es arte convencional, ya que parten de los sentimientos, de las emociones, de los sentidos, del mundo interno, de su manera de percibirlo.

El secreto de la consciencia femenina.

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Andrea Wan es una ilustradora que plasma sus pensamientos y experiencias en retratos de tinta sobre papel que reflejan el mundo interior secreto de la consciencia femenina. “Trabajo en un estilo caprichoso y surrealista. Veo a mi arte como un diario visual personal con una calidad íntima”. Su serie de “cabezas” explotan en distintas tonalidades pastel conectadas por cabelleras de diferentes longitudes que se entrelazan íntimamente con la psique de toda mujer.
Su inspiración se refleja en dibujos que combinan la estética narrativa tradicional con cualidades misteriosas y surrealistas, que representan a un mundo con gran sensibilidad mirando introspectivamente en los rincones oscuros de su subconsciente. Fiel creyente de los mundos internos y externos que simultáneamente se influencian y reflejan entre sí, comunicándose entre ellos mediante claves y metáforas que indirectamente trabajan en nuestra vida durante la vigilia de los sueños, provocando momentos de sincronía entre la realidad y la lo surreal para hacer posible todo lo que llevamos dentro.

Takashi Murakami: El Andy Warhol japonés

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Takashi Murakami nació en Tokio (1962). Se graduó en la Universidad de Bellas Artes y Música de su país. Es uno de los artistas asiáticos contemporáneos más conocidos. Especializado en nihonga (estilo pictórico tradicional japonés) crea pinturas, instalaciones y video.

TakashiMurakami6La obra de este famoso japonés, se caracteriza por utilizar la cultura pop de su país. Es una mezcla de influencias y estilos que reciben el nombre de superflat, un mundo plano donde la sociedad se ha enfocado cada vez más en lo superficial; sin embargo, su técnica colorida y provocadora busca llenar los lienzos de colores y de historia. Surgió de la generación neo-pop japonesa; en su arte utiliza elementos de la cultura popular contemporánea en forma de anime y manga, con tintes de pop-art, pero manteniendo las técnicas tradicionales de su país. Todo se muestra desde la iconografía budista hasta la pintura zen.

¿Andy Warhol utilizaba latas de sopa? Bueno, pues este artista no sólo utiliza objetos comunes; sino que también los fabrica, tipo una industria cultural. Tiene su propia fábrica de nombre Kaikai Kiki, una oficina con más de 50 empleados situada en Nueva York.

Saint Hoax: “Save Yourself” Las princesas de Disney que se salvan así mismas.

Desde pequeñas se nos ha inculcado la idea del amor verdadero y de quién sería aquel que nos lo proporcionaría, pues bueno, es nada más y nada menos que nuestro príncipe azul. Disney es un parteaguas importantísimo que desde nuestra niñez nos enseñó que seríamos salvadas, rescatadas o sacadas del hoyo por un maravilloso príncipe de sangre azul. Lo que no se enseña, es que al crecer la realidad se convierte en una aguja que rompe totalmente la burbuja rosa. -Cuánto daño Disney, cuánto daño.-

Que el amor existe es cierto, y no se pretende culpar a los hombres, sino a nosotras mismas. El argumento de que un hombre sería el responsable de salvar nuestras vidas, debe regresar a donde salió, a ese guion. No sólo pensar en el príncipe es el problema, sino en todo aquello a lo que le extendemos la llave de nuestra propia felicidad. El verdadero problema de esta situación radica en las mujeres que se lavaron las manos por años, quienes dejando su felicidad en las manos del otro, fuera éste hombre o mujer, dejaron de pensar en sí mismas, dejaron de cuidarse, esperaron a ser rescatadas, a ser salvadas.

¿Qué pasaría si las princesas con las que crecimos se dieran cuenta que ellas se podían salvar a sí mismas? La serie “Save Yourself” de Saint Hoax celebra esta idea. Celebra a las mujeres independientes, autosuficientes y fuertes que se quieren a sí mismas sin la necesidad de que alguien más las reconforte y les recuerde por qué es importante que se quieran. Celebra a quienes tienen hombres en su vida por elección y no por necesidad. A quienes trabajan cada día en sí mismas, por ellas mismas, para satisfacer sus propias necesidades, para sentirse bien con lo que son.

Esta serie va dedicada a todas las mujeres solteras, sin embargo, el artista comenta que no se trata de un proyecto de piedad; que tener a alguien no debería ser considerado como un logro, y si no empiezas por quererte a ti misma, nadie más lo hará por ti. La serie está acompañada de estas palabras:

“He esperado demasiado tiempo para ser salvada,
Me he sentido como un libro abandonado en una estantería,
Pero, ¿por qué esperar a que me salven,
cuando simplemente puedo salvarme a mí misma?”

Visita: Saint Hoax

“La paternidad no es para mí”: Campañas para las personas que no soportan a los niños

Los publicistas de las marcas de condones tienen uno de los trabajos más jodidos de la Tierra, viven al borde de la esquizofrenia creativa y puede que consuman drogas. ¿Su problema? Una verdad dolorosa: en el fondo, todo el mundo prefiere hacerlo sin condón.

Por muy extrafino que sea el plástico, no hay nada más fino que la ausencia de plástico. Es la opción más placentera, pero también la más arriesgada: te juegas pillar el sida o algún hongo del que no querrás hablarle a nadie. O un embarazo. Pero, para estos publicistas, un hijo y una enfermedad son la misma cosa.

No te gustaría tener un hijo gordo y patético, ¿verdad? No, claro que no. Los publicistas lo saben bien, y por eso te presentan a los niños como monstruos que se cuelan en tu vida para jodértela por completo.

Probablemente, las marcas de preservativos sean las únicas capaces de odiar públicamente a los niños sin que nadie se escandalice. Con esa premisa, sus publicistas han creado los anuncios contra la infancia más delirantes que hayamos visto. Algunos se han pasado de la raya. Otros, del gramo entero. Veamos.

1. El niño tétrico.

Así de adorable es la paternidad.

2. Mejor un perro que un hijo.

Menos problemas, misma satisfacción.

3. Hay un bebé destruyendo la ciudad.

Mira la que has liado.

4. “Prevén desastres naturales”.

¿Merece esta niña el odio de un publicista sin ideas?

5. Parkour a muerte en Torremolinos.

Hasta él sabe que nunca debió haber nacido.

6. El plástico que ahoga a los niños.

Compra este condón y empieza a tomártelo como una cuestión personal.

Visto en: PlayGround

El Dr. Muerte inaugura museo en Berlín

El anatomista alemán, Günther von Hagens, apodado “Doctor Muerte”, está cerca de cumplir un sueño más en su carrera. Lo anterior, después de que el día de hoy logró abrir el primer museo propio dedicado a sus polémicos cadáveres coloreados en la ciudad Berlín. Eso, a pesar de los intentos legales por frenar la muestra.
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El polémico museo mostrará 20 cuerpos completos plastinados y 200 trozos de cadáveres en una exposición que lleva por nombre “Facetas de la vida”. Los cadáveres se mostrarán en una superficie de mil 200 metros cuadrados y estará a los pies de la torre de televisión de Berlín, en Alexanderplatz, en el barrio de Mitte. Mismo que recurrió dos veces a la justicia alemana para impedir su apertura y que perdió ambos casos.
El apodado “Doctor Muerte” de 69 años, se hizo famoso y millonario como invento de la “plastinación”, una técnica que reemplaza los fluidos de un cadáver por acetona y que permite ver el interior original o coloreado de un cuerpo perfectamente conservado. Sus cadáveres recorrieron 89 ciudades de todo el mundo, generando debate y controversia pues los críticos lo acusaban de “vulnerar la dignidad humana al convertir cuerpos en objetos de exposición”. A pesar de ello, más de 30 millones de personas asistieron a la muestra. Gunter von Hagens quien escapara del comunismo alemán en los años setenta y que adoptó el apellido de su esposa se presentó recientemente en el UNIVERSUM de la UNAM con su muestra “Body Worlds”.

En respuesta a las críticas, von Hagens siempre ha afirmado que su trabajo está enfocado en complementar la educación sobre la vida humana y que los cadáveres exhibidos pertenecen a los cientos de donadores que se han ofrecido para tal misión. Según datos del propio “Doctor Muerte”, más de 15,000 personas han decidido donar sus cuerpos para ser plastinados.

Hace unos años, von Hagens fue centro de la polémica al exhibir en Berlín un par de cadáveres simulando tener sexo como parte de su exposición.
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Con su cabello tejía los sueños

 Gabriela González es una artista plástica mexicana que se ha volcado en los recuerdos y la obra de su propio padre para realizar una serie de piezas que crean una relación íntima entre la literatura y el dibujo; entre la palabra y el trazo.
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Los recuerdos de su padre fallecido, albergados en los rincones de su estudio, sirvieron como una fuente de estímulo visual. Los escritos encontrados, fueron reconfigurados; imaginados como trazos y dibujos abstractos, incluso como objetos de una naturaleza corpórea. Con la reapropiación comenzó la búsqueda por diferentes narrativas que dieran respuesta a la tensión producida por las sensaciones que dejaba la pérdida. Gabriela logró amalgamar las dos disciplinas que han marcado su vida: el dibujo y la literatura; pensar el dibujo de una manera diferente a través de collages de los textos, diarios personales, cartografías, etc.

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Desde zapatitos de papel hechos con manuscritos, hasta una almohada tejida con cabello sintético –inspirada en uno de los escritos encontrados– la artista crea un espacio de ensueño palpable, elaborando piezas oníricas.

En esta colección, Gabriela González está interesada especialmente en las experiencias estéticas producidas al leer y a su vez, cómo estás pueden convertirse en visuales. Al momento de ver las piezas, en el lector se despierta la imaginación con la visualidad intrínseca de una narración.

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Sus dibujos son una continuación de la palabra escrita, de las novelas y/o cuentos no concluidos de su padre a través del dibujo, de la gráfica; una colaboración entre lo textual y lo visual.

Mickey Mouse: Historia y datos curiosos.

Mickey es el ratón más famoso que ha existido, siendo reconocido por millones en todos los continentes del mundo. El éxito de toda la industria de Disney se debe en gran medida a su personaje principal. Incluso la compañía lo ha dicho abiertamente: “No podemos olvidar nunca que todo esto se construyó por un ratón”.

El fenómeno del ratón es un caso sorprendente. Es un personaje que incluso a más de 80 años de su creación sigue sorprendiendo al mundo y que por su carisma se ha ganado los corazones de niños y adultos. Ha sido querido por muchos, incluyendo artistas, intelectuales y políticos.

La aparición del ratón por primera vez en 1928 marcaría un cambio en las caricaturas y también sería el inicio del gran éxito de la compañía Walt Disney Productions. Pero, ¿a qué se debe el éxito de su popularidad?

El ratón de los pantalones rojos y zapatos amarillos, cuyo primer nombre fuese Mortimer, fue pensado por Walt Disney en marzo de 1927 durante un viaje de Nueva York a Los Ángeles. Walt había perdido recientemente los derechos de la serie Oswald the Rabbit, así como un gran número de los animadores que trabajaban con él. Pero el cineasta declaró que ni eso le impidió perder las esperanzas.

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“Entre todos los problemas y la confusión apareció una pequeña figurita burlona. Vaga e indefinida al principio. Pero creció y creció y creció. Y finalmente llegó a un ratón. Un juguetón y alegre ratoncito… La idea me envolvió por completo. (…) Para cuando el tren había llegado al Medio Oeste ya había vestido a mi ratón de ensueño en un par de pantalones rojos de terciopelo con dos grandes botones aperlados, había compuesto el primer escenario y todo estaba listo”. [1]

Una vez en California el proceso de creación del famoso ratón, llamado en ese entonces Mortimer, comenzó en secreto. Como sugerencia de su esposa Lillian, el nombre fue modificado por el de Mickey que sonaba menos presuntuoso. El dibujo quedó a cargo de Ubbe Ert Iwerks, a quien Walt ya había conocido en 1919 cuando los dos intentaban convertirse en animadores. Ub, como se le conocía, tenía una gran facilidad para dibujar, algo en lo que Walt nunca fue lo suficientemente bueno, lo que le impidió poner en papel sus creaciones. Ub, dibujó secretamente las dos primeras caricaturas del personaje: Plane Crazy, basado en el vuelo de Lindbergh, y The Gallopin´Gaucho, en el que Mickey era un bravucón inspirado en el director y cineasta Douglas Fairbanks.

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Tras el gran éxito de la primera película sonora The Jazz Singer en 1927, Disney se interesó en probar esta nueva técnica y hacer una película que ya no fuese muda. Con un gran número de animadores y después de una serie de experimentos, Disney se convirtió en el primer estudio en animar caricaturas con sonido. La primera caricatura fue Steamboat Willie, en la que Mickey rescata a Minnie Mouse, de su enemigo Pegleg Pete. La caricatura se estrenó en el Colony Theater en Nueva York el 18 de noviembre de 1928, momento en el que Mickey Mouse sería conocido por muchos por primera vez. Una estrella había nacido. La distribuidora Powers, se interesó en producir más caricaturas con el ratón como protagonista debido a su gran aceptación por el público. El éxito fue inmediato.
En la década de los 30, se comenzaron a producir tiras cómicas del personaje, además de que diversos juguetes como muñecos y otros artículos, entre ellos relojes empezaron a comercializarse. El estudio Disney, ya no era pequeño, se había convertido en un éxito corporativo y Mickey Mouse había alcanzado la fama mundial.

La personalidad del ratón haría de él un personaje amado por muchos niños de todas partes del mundo. Uno con el que muchas generaciones crecerían y muchas más que aún están por venir lo harán.

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A continuación algunos datos que probablemente no sabías de este personaje tan querido por el público:

Fue el mismo Walt quien dio voz al personaje desde la primera caricatura hasta el año de 1946, cuando su adicción al cigarro le dificultó continuar con el doblaje.

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Originalmente Mickey Mouse no tenía guantes blancos, éstos aparecieron por primera vez en 1929 con la caricatura The Opry House. Se cree que la razón era para diferenciar las manos del resto del cuerpo que era negro.

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Los zapatos grandes, más tarde ya amarillos, intentaban simular que Mickey se había puesto un calzado de su padre, para dar la impresión de un niño travieso.

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The Band Concert, fue el primer corto en el que Mickey aparecía a color en el año de 1935.

The Band ConcertEn el 2007 un personaje muy similar a Mickey apareció en un programa de televisión infantil del canal palestino AL-Aqsa Tv, perteneciente al partido Hamás. El programa titulado Los pioneros del mañana, mostraba a un ratón llamado Farfur que adoctrinaba a los niños en diversos temas de comportamiento así como en conceptos islámicos. El ratón fue “asesinado” por un actor disfrazado de israelí, al que Farfur llamó como terrorista.

En una tira cómica de 1930, Mickey intenta suicidarse después de que sospecha que Minnie lo había estado engañando.

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De acuerdo a una entrevista publicada en 1933 para la revista Film Pictorial, Walt afirmó que Mickey y Minnie sí están casados. A veces parece que no lo están porque así Mickey tiene la oportunidad de conquistarla en más ocasiones.

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Pluto apareció por primera vez en los cómics en 1931. El nombre del enemigo de Popeye, en Popeye el Marino, era entonces Bluto; tras una disputa con los estudios Disney cambió el nombre a Brutus, debido a la similitud que existía entre éste y el personaje del perro amarillo.

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Para el corto El aprendiz de brujo, de película de Fantasía (1940), se había considerado que Tontín (Dopey Dwarf) de Blancanieves y los siete enanitos, apareciera como personaje principal. Debido a que la popularidad de Mickey había disminuido con la aparición del Pato Donald, Walt consideró que tenía que rescatar a su personaje estrella. Fue así que decidió “darle” a Mickey el papel protagónico. La escena de Mickey con el sombrero puntiagudo y la toga roja es ahora una de las más representativas del estudio Disney.

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Mickey, con sus guantes blancos, pantalones rojos y zapatos amarillos es un personaje, que si bien no es real, para muchos está vivo y lo estará siempre que alguien lo recuerde.

Referencias:

Watts, Steven. (1997) The Magic Kingdom: Walt Disney and the American Way of Life. University of Missouri Press, Columbia. USA.

[1] Brockway, Robert W.(1993) Myth From the Ice Age to Mickey Mouse. State University of New York Press, Albany. USA.

Balthasar Klossowski de la Rola: El maestro del morbo, de las Lolitas.

Algo nos inquieta, el morbo es latente, el deseo se apodera de cada imagen que pasa por nuestra mirada, de cada presencia y postura dentro de la obra de este figurativo pintor. Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001) fue uno de los pintores más enigmáticos en el siglo XX. Es conocido como el maestro del morbo, de las Lolitas. Comenzó a pintar desnudos de mujeres en posiciones eróticas en el año de 1930, desnudos de niñas que ni siquiera han alcanzado la madurez, lo cual rompió esquemas, creó polémica y tensión sexual. Imágenes que son cómplices de un deseo prohibido, disfrazado de surrealismo.

Poco a poco fue ganando popularidad, y hasta fue comparado con Pablo Picasso y admirado por André Breton. Si este pintor tenía alguna inclinación por las menores, la pintura se volvió su coartada para hacer de este acto perverso algo bello y relativamente aceptable -por ser arte-.

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Alguna vez el pintor, excusando su práctica perversa, se justificó diciendo que para él “las niñas son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad. Las lolitas nunca me interesaron más allá de esta idea”. Por mucho que afirmase idolatrar la pureza, lo propio de la infancia, el silencio de su obra y el tenebrismo alude al lado oscuro, a la corrupción y al deseo.
En muchas de sus obras, acompañando a sus jóvenes en posturas retorcidas y sugerentes, inundadas de una luz que parece anunciar lo peor, aparece un gato. Este ser participa de la escena, es espectador. El animal simboliza la dualidad y la ambivalencia, así como se retrata una inocencia (falsa), se apodera de las escenas la maldad. El gato es el elemento de la obra que delata al pintor presagiando que lo que se ve no es tan inocente como quiere hacernos creer el artista.
La última musa de Balthus tenía tan sólo ocho años cuando empezó a posar para él. Cada miércoles, durante ocho años (hasta que cumplió dieciséis) Anna Wahli posó para el artista que ya era un anciano, y que a causa de problemas de vista por la edad, cambió el lienzo por la cámara de fotos polaroid, para capturar sus últimas ojeadas a la inocencia.

Fantasmas del ayer: Recreando la Segunda Guerra Mundial.

Hasta ahora, la Segunda Guerra Mundial ha sido uno de los acontecimientos históricos más impactantes y desalmados que  ha marcado al mundo. El recuerdo que dejó es el reflejo de aquellos Aliados contra Potencias del Eje que lucharon por sus causas y principios, dejando en el camino una estela de destrucción que abarca el periodo de 1939-1945, finalizando en Japón con la acción de una de las armas destructivas jamás creadas y con la victoria Aliada.

Seis años son demasiados para ser captados en una fotografía, ya que lo de ayer ya no luce como hoy, los momentos se disipan en la memoria, misma que trata de recordar para no volver a vivir.

Jo Hedwig Teeuwisse, historiadora holandesa, se ha encargado de recrear los distintos escenarios en los que sucedieron los hechos combinando los mismos con fotos del presente. Todas las imágenes a continuación son de su autoría.

Acireale, Sicilia

La invasión Aliada en Sicilia inició en 1943 y fue llamada “Operación Husky”. Los Aliados (EUA, Reino Unido, Francia, entre otros) tomaban la ciudad de Sicilia del poder de las Potencias del Eje (Italia y Alemania).  La operación duró un mes y logró derrocar del poder al dictador Benito Mussolini.

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Utrecht, Países Bajos

Invadido por los Nazis en 1940 y liberada hasta 1944, los Países Bajos tuvieron una fuerte afectación en la Segunda Guerra Mundial. La realeza huyó y permaneció en el exilio mientras se formaban pequeños grupos de resistencia contra las Potencias del Eje, pero que no durarían mucho.

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La Haya, Países Bajos

A pesar de haber declarado neutralidad en la guerra, fueron invadidos. Incluso la policía holandesa contribuía con la captura de judíos y su transporte a campos de concentración.

The Hague
Saint-Marcouf, Francia

Otro protagonista en la Segunda Guerra Mundial fue Francia. Aliados, participaron desde la invasión de Alemania en Polonia. En el Este de su territorio tenían fuerzas contrarias que empatizaban con el entonces acuerdo entre la URSS y Alemania hasta que fue finalmente invadida. Se recuerda el célebre discurso de Charles de Gaulle al pueblo francés, quién desde Londres anunció: “Hemos perdido una batalla, pero no la guerra”.

Francia
Auschwitz, Polonia

Probablemente el área más trágica de la guerra. Auschwitz era sitio de campos de concentración operados por Nazis que previamente habían invadido por completo el país. Contaba con tres campos principales de concentración y exterminio, además de 45 campos satélite.

Se calcula el asesinato de más de un millón de judíos, polacos y soldados soviéticos. Actualmente se encuentra un museo construido en memoria de las víctimas, nombrado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Poland

El arte de inundar miradas: Conrad Roset

Conrad Roset le ha dado vida a las palabras de escritores, logrando que una idea se vuelva tangible. Ha logrado que la gente lo vea a través de la pintura, de trazos y de una perfecta combinación de colores. Ha trabajado para marcas como Coca-Cola, Disney, Adidas, Zara, TED y Oysho.

Roset es originario de España, ahí sigue dibujando líneas delgadas como ilustrador. Todo comenzó cuando la marca de ropa Zara lo contrató para darle vida a su publicidad. Su trabajo ha sido tan exitoso, que su última labor fue en colaboración de la escritora japonesa Milena Nonó, quién decidió dar explicación a fenómenos cotidianos por medio de un mundo alterno y personajes minúsculos. Conrad Roset fue el ilustrador del libro Mirabilia (último escrito de la escritora).

Portada de "Mirabilia". Escrito por: Milena Nonó. Ilustraciones de: Conrad Roset.

Portada de “Mirabilia”. Escrito por: Milena Nonó. Ilustraciones de: Conrad Roset.
Ha tenido otras colaboraciones con escritores. David Aceituno ilustró su libro de cuentos infantiles, Ensueños, con las imágenes de Roset. E incluso ha desfilado en pasarelas sin tener que poner un pie sobre ellas: el diseñador Manuel Bolaño utilizó los diseños florales del artista sobre la tela de una serie de prendas en 2011.
El artista, es capaz de colaborar o trabajar solo, como en su libro Musas, para el cual tomó la expresividad femenina y la explotó para crear siluetas que invitan al espectador a ver más. Sus colores y diseños inundan miradas; nos dejan ver la belleza que a veces se oculta. Demuestran que trazos sencillos pueden llenarse de personalidad cuando se acompañan de los tonos correctos.

Arte: Escultores Gore…

La estética del gore, se basa en lo visceral y la violencia, teniendo como tema central la vulnerabilidad. Esta expresión ha sido retomada por artistas para plantear su propio discurso. Escultores como Jessica Harrison, Cao Hui y María Rubinke son algunos de los artistas que destacan por exaltar los deseos humanos o el inconsciente.

Jessica Harrison

Esta artista reescribe el cuerpo en la escultura a través de la piel, eliminando la idea tradicional de que el cuerpo se divide en lo que hay dentro y en lo que hay fuera. Esto lo hace con muñecas de porcelana, otorgándoles atributos humanos y más de manera externa; es decir, se puede apreciar como una muñeca juega con sus ojos, intestinos o corazón.

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Cao Hui

Hui es originario de China. En su obra fusiona lo material con la imaginación e intenta darle vida a un objeto a través de la representación de órganos de animales y personas. Una de sus series más controversiales fue “Visual Temperature”, en la cual esculpió objetos cotidianos como bolsas, chamarras, zapatos, sillones figurando la piel y los órganos.

Este artista proviene de un país donde el abuso animal no es un secreto, en su obra quiso representar la idea de la prosperidad y civilización como producto de la crueldad. La serie provocó que lo llamaran surrealista; sin embargo, el defiende el realismo en su obra, pues la representación de la misma se relaciona con acontecimientos cotidianos.

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Cao-Hui-3María Rubinke

Rubinke cambió la idea de la inocencia con la que asociaban a la porcelana y creo pequeños niños y niñas jugando con sus entrañas. Su manifestación se desprende de ideales freudianos sobre el inconsciente reflejado en juegos de niños, todos ellos basados en la naturalidad.

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El arte y los emojis

Los emojis son únicos y a la vez universales, todos los utilizamos en contextos diversos; por lo tanto, pueden tener significados diferentes. Para la artista visual Liza Nelson, los emojis son lo mejor que le pudo haber sucedido a su generación, ella intenta darles su propia identidad. La emoji bitch, pelirroja con suéter morado a la que no le importa lo que estes contando. O un emoji sentido bajo una aureola de exclamaciones que suplica perdón, toman vida en el proyecto de esta artista.

Foto2 Liza

La curiosidad de Nelson por saber qué emoticono representaba a cada uno de sus amigos, desembocó en esta colección donde transforma lo digital (el emoji) en físico (el modelo posando), para luego volverlo a mudar a lo digital (la fotografía), una técnica conocida como flip-flop. Las representaciones de Liza Nelson son perfectamente reconocibles, aunque adquieren cambios en su forma o color, por ejemplo el fornido bíceps tatuado del emoticono de la fuerza.
Foto 3 Liza
 Dejando a un lado la paleta y la pintura, los emojis se han convertido en la fuente de inspiración para otros proyectos artísticos. Seleccionando los emojis que mejor reflejan la personalidad, el rapero y artista Yung Jake acaba de publicar una serie de retratos de celebridades a base de emojis creados a través de la página web emoji.ink, que te permite realizar tus propios dibujos “made by emoji”.
Foto 4 Jake

Entre las celebrities que Jake ha retratado, aparece Miley Cyrus, lengua afuera, creada a base de numerosos emojis de termómetros al rojo vivo, avisos de “peligro”, tacones y estrellas. ¿A saber qué reputación tendrá? También el cómico y actos Larry David es retratado con dibujos de payasos, nubes y una sudadera hecha con numerosos emojis de la Guardia Real.

Aunque por sí mismos parecen insignificantes, como cualquier otro lenguaje, cuenta con su propio diccionario. Una cara con media sonrisa, refleja petulancia y una con los ojos cerrados y una máscara tapándole la boca quiere informar de que está enfermo o que quiere ser precavido. Como estos, cientos de significados vienen recogidos en “diccionarios especializados” como iEmoji o Emojipedia. Estas webs se han convertido en fuentes de consulta para no mal interpretar esta nueva manera de relacionarse que ha transformado los pilares de la comunicación, sobre todo entre los Milennials, según indica Business Insider.

Comunicarse a través de emojis, como si de jeroglíficos se tratasen, es un reto que han logrado muchos internautas. La cantante Katy Perry ha publicado una versión de su vídeo Roar traduciendo la letra a emoji y las grandes obras maestras también han conocido lo que es ser leídas en emoji.

El fotógrafo estadounidense Kamran Kastle se ha propuesto el reto de interpretar la palabra de Dios a base de estos divertidos caracteres después de darse cuenta de que el libro más vendido y traducido en la historia carecía de una versión emoji.

El proyecto surge tras un encuentro con jóvenes que no habían leído en su vida la Biblia.”Una niña me dijo que sólo la leería desde el móvil. Yo le pregunté que si estaba expresada en emoticonos si la leería y ella dijo que sí” explica el fotógrafo californiano en la página de crowdfunding donde busca la financiación para llevar a cabo la traducción.

Kastle ha tenido que diseñar nuevos emoticonos para simbolizar ciertos pasajes de la Biblia, entre ellos el del mismísimo Jesús. La publicación contendrá parte de los pasajes en emoticonos acompañados por sus traducciones. Como Kastle, Fred Benenson publicó en el 2009 EmojiDick, una nueva versión de la novela de Herman Melville y creada con la colaboración de internautas que donaron en total más de $3,700 para su producción.

“La sociedad evoluciona muy rápido y estos dibujos son la manera más rápida de comunicación y que alcanzan a más personas”, confiesa la artista Liza Nelson, refiriéndose a los emojis que ya han sido enviados más de un trillón de veces.  “Una forma de demostrar cómo la tecnología influye hoy en día en el desarrollo de la cultura y la comunicación” afirma Benenson, acerca de esta fiebre de los emojis tan sorprendente y creativa para unos como inútil para otros. ¿Hasta dónde llegará esta nueva forma de comunicación? ¿Se convertirá la escritura tal y como la conocemos en los jeroglíficos del siglo XXI? Esperen y verán, que pronto nos estaremos informando cada mañana a través de, por ejemplo, The Daily Emoji Paper.

Exposición para personas con discapacidad visual

Los museos tienden a ser lugares exclusivos, aunque pretendan lo opuesto. A las personas les cuesta acercarse a estas instituciones pues los limita la “falta de conocimiento” (no debería ser limitante, pues el arte no tiene porque ser comprendido, basta con admirarlo), por cuestiones económicas, por anteponer otro tipo de actividades de ocio, o por simple aburrimiento. El principio básico de cualquier museo: “Prohibido tocar”. Esta limitación supone, al visitar un museo con niños, un verdadero suplicio; “¡No toques!” “¡No te acerques!” “¡Cuidado!” “¡Nos van a echar!”

Hablando de temas más sensibles, ¿qué pasa con un discapacitado cuando quiere visitar un museo? ¿Es fácil que tenga una buena experiencia? ¿Están los museos preparados para ellos? ¿Tienen oferta para todos los públicos? Lamentablemente, no. Ir a un museo es actividad de unos pocos. Es por ello, que la nueva iniciativa del Museo del Prado en Madrid es digna de reconocimiento.

Hasta el 28 de junio de 2015, en la galería norte del edificio Villanueva del Museo del Prado de Madrid, se han instalado seis imágenes en relieve para el goce de personas con algún tipo de discapacidad visual. Se trata de una selección de las obras de El Greco “El caballero con la mano en el pecho”, “La fragua de Vulcano” de Veázquez, “Noli mi tangere” de Correggio, “La Gioconda” de Lonardo da Vinci, “Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio” de Juan Van der Hamen, y “El quitasol” de Goya. Aunque es una breve recopilación, los géneros que se tratan, desde pintura religiosa, escenas costumbristas, naturalezas muertas y mitología, sintetizan con éxito lo que a gran escala puede apreciarse en las demás salas del museo.
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Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio, de Juan Van der Hamen
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La fragua de Vulcano, de Velázquez

Las imágenes son reproducciones en alta resolución con texturas y volúmenes de hasta seis milímetros, que los visitantes pueden tocar, además de valerse de paneles y carteles en braille para conocer todo sobre estas obras. También, como parte de esta nueva dinámica de inclusión de un público general en el museo, se han puesto a disposición de quien lo desee, gafas opacas que impiden la visión para que cualquier público que lo desee pueda vivir esta experiencia sensorial.

Además, coincidiendo con esta iniciativa, se ha puesto en marcha un nuevo servicio de audioguías con audiodescripciones de más de cincuenta obras de su colección especialmente dirigidas a visitantes con algún tipo de discapacidad visual.

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Invasión: Exposición de Héctor Falcón

Héctor Falcón es un artista oriundo de Culiacán, Sinaloa, cuya residencia en Japón ha sido una influencia fundamental en su obra. Abarca medios como fotografía, pintura, video, grabado, acción e instalación. Su trabajo se ha mostrado en museos como el Guggenheim en Nueva York, el Palais de Tokio en París, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo en México, etc.

Invasión es un proyecto que se conforma de piezas y composiciones que nos muestran a manera de espejo, el reflejo de una cultura contemporánea con acceso a información masiva que habita un mundo del que sabe casi nada de casi todo; donde la dispersión y la frivolización caracterizan las relaciones. La cultura del zapping y nuestra búsqueda de control sobre el consumo visual, son prácticas exploradas por el artista; las líneas temáticas de la exhibición son la corporeidad, la belleza, la identidad y el nihilismo, así como los procesos pictóricos.

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La exposición se estará presentando en General León #48, Col. San Miguel Chapultepec,  a partir del 7 de febrero de 2015 a las 11:00 am.

Hiperrealismo y simulacro: El arte de ocultar el arte.

“Pigmalión se dirigió a la estatua, y al tocarla, le pareció que estaba caliente, que el marfil se ablandaba y que deponiendo su dureza, cedía a los dedos suavemente, como la cera del monte Himeto se ablanda a los rayos del Sol y se deja manejar con los dedos, tomando varias figuras y haciéndose más dócil y blanda con el manejo. Al verlo, Pigmalión se llenó de un gran gozo mezclado de temor, creyendo que se engañaba. Volvió a tocar la estatua otra vez y se cercioró de que era un cuerpo flexible y que las venas daban sus pulsaciones al explorarlas con los dedos”.-
Publio Ovidio Nasón (43 a.C., a 17 d.C) poeta romano

En leyenda de Pigmalión -rey de Chipre-, buscaba incansablemente a la mujer perfecta y al no encontrarla, se dedicó a crear las esculturas más bellas para así llenar ese vacío. Su obra más esplendida fue “Galatea”, su belleza escultórica era tal, que el rey se enamoró perdidamente. Venus Diosa del amor, le concedió el deseo de volverla humana.
La conquista de lo real
Pigmalión y Galatea, de Jean-Léon Gérome (1824-1904)
Desde Platón, la teoría y práctica de las artes visuales mantiene una relación exclusiva con lo real y la copia. La historia del arte se ha escrito con base a la conquista y apropiación de lo real. El hombre se encuentra en una constante búsqueda de la realidad para apropiarse de ella, cosa que se ha logrado gracias a las representaciones plásticas, a la fotografía, a la escritura etc. Hoy por hoy, ya no amamos las cosas, amamos las representaciones de las cosas.
Actualmente, vivimos en una época donde la imagen se masifica. Todo lo que conocemos lo volvemos copia, figura, foto; lo transferimos a la pantalla, las redes; mientras que la comunicación face to face decae poco a poco. La realidad alterna de apariencias ha tomado las riendas e incrementado el distanciamiento. El hiperrealismo se ha vuelto un arte tan exacto, que busca ocultar el mínimo destello de no realidad.

Hiperrealismo y simulacro: El arte de ocultar el arte

Victor Stoichita (1940) apuntó que el simulacro es un objeto hecho, un artefacto que puede producir un efecto de semejanza, al mismo tiempo que enmascara la ausencia del objeto. El simulacro juega a ser realidad; una hiperrealidad. Por estas razones asusta, por la capacidad que tiene de borrar los límites de la realidad e imagen, transformando al sujeto en objeto.

El hiperrealismo hace imágenes de imágenes  y gracias a su perfección, no se sabe si se está observando la realidad o la representación. Cuando la realidad no es suficiente, el hombre la recrea y así la sustituye. Esta corriente es la conquista de la fotografía, de ésta sustitución que es la forma más real que se tiene para encarnar vida.

Alyssa Monks

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Francisco Casas (Jaen, España, 1976), exponente de esta corriente, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. A pesar de ser un artista joven, su trabajo ya ha participado en varias exposiciones. Ver su trabajo resulta siniestro. Sus obras realizadas con pluma juegan con la noción de simulacro, ya que la precisión minuciosa de su trazo, hace que olvidemos por un instante que se trata de la materialización de una idea; que olvidemos que sus juguetonas y desenvueltas figuras no existen, pues parece están detenidas en el tiempo, como si por cuestión de segundos se hubieran paralizado ante nosotros; pero no, son tan reales como Galatea.

Casas juega con la noción de simulacro para recrear situaciones de la vida cotidiana y actuales. Su obra, dentro de la estética del hiperrealismo o fotorrealismo, capta la realidad tal cual la captaría una cámara fotográfica. Vemos cómo nos acerca las prácticas humanas de manera que al saber que son obra plástica, participan o tienen una coartada estética. No nos son tan agresivas o transgresoras como resultaría la fotografía real de estas situaciones. Su obra obsesiva y apasionada, elaborada a base de trazos pintados con pluma Bic, podría confundirse con una fotografía.

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Obras boli Bic juan Francisco CasasHiperrealismo : La conquista de lo real 4

Su destreza técnica fue aplicada a una de sus series, por ejemplo, para la cual el artista convocó desde su página oficial de Facebook a que sus seguidoras femeninas le enviasen selfies (autofotos), de las cuales escogió 60 para convertirlas en dibujo. La originalidad radica en la monocromía de tono azul, en la representación de espacios íntimos en los que aparecen chicas jóvenes y guapas, con muy poca ropa y posturas sugerentes, muy ad hoc con la tendencia de la selfie.

Si la realidad es pura apariencia, ésta es la metáfora de nuestra existencia.

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Referencias:

– Barthes,Roland. La Cámara Lúcida, Ediciones Paidós Ibérica: Barcelona, 2009
– Welson, Robert. Critical terms for Art History. University of Chicago press: Chicago, 1996
http://www.juanfranciscocasas.com/ 

Ilustradores del rock

Recientemente, cualquier expresión artística sobrevive de nuevas formas independientes de distribución y difusión, pero en el mundo de la ilustración, hay nombres que han tomado de la música su principal fuente de trabajo con la única diferencia de ser ellos quien se cargan de darle una identidad visual a lo que escuchamos encumbrándose así como prolíficos artistas que pueden vivir de la música y del arte al mismo tiempo.

La ilustración es algo que siempre ha ido muy de la mano de la música, son muchos los artistas que unen las dos disciplinas y las fusionan en una misma obra ofreciendo a melómanos y amantes del arte otras formas de ver y escuchar. Carteles de conciertos, portadas de discos, mini books de CD’s, merchandising y un gran etc., demuestran que la canción, el cantante y el dibujo se terminan mezclando cuando se trata de una nueva creación.

Ricardo Cavolo

De imaginación privilegiada, es capaz de generar una historia de cualquier situación, por lo que su trabajo se convierte en un verdadero placer. Cuando tiene que ver con música, su trabajo necesita, segús sus palabras, “ver qué mundo se genera con esa música en concreto” para que lo que él haga respire en consonancia con ello. “La ilustración relacionada con la música tiene que conjugar muy bien para que entre directo, todo junto, como un pack”.

Stanely Donwood
Es diseñador y artista visual, a lo largo de su carrera se ha encargado de definir la imagen de una de las bandas más importantes de todos los tiempos: Radiohead; conocido también como el sexto integrante de la banda. Desde álbumes como “The Bends” hasta “The King of Limbs”, Donwood se ha encargado de acompañar la música de Thom Yorke en compañía y en solitario por largos viajes conceptuales.

Andrés Cascioli

Escritor de profesión, Andrés también es reconocido como ilustrador y retratista gracias a su libro “El fabuloso mundo del rock”, que reúne curiosidades, datos y anécdotas de grupos como Los Beatles, Queen, Babasónicos, Eric Clapton, Elvis Presley, Soda Stereo y Jimi Hendrix por mencionar algunos narrando todas estas peculiares historias pictóricamente.

Storm Thorgenson

Storm Thorgerson, uno de los más grandes creadores de visuales y artworks para discos que ha tenido el mundo. Dedicó su carrera de artista gráfico a colaborar con muchas bandas icónicas en la historia de la música, tales como Pink Floyd, The Mars Volta, Black Sabbath, muchas de ellas simples pero con un inmenso contenido simbólico, que terminaba representando el concepto de dichos disco. Ilustradores como Storm Thorgenson juegan un papel clave en el mundo de la música,la imagen del Dark side Of The Moon no sería lo mismo sin la imagen del prisma.

Martin Sharp

Su nombre formó parte de un grupo de creadores que transformaron la iconografía de los 60 gracias a su trabajo en revistas, portadas de discos y conciertos de rock. Explotó una identidad gráfica de diseños surrealistas que definieron a una cultura underground. Música pop, drogas y revueltas juveniles le sirvieron de inspiración. Uno de sus trabajos más relevantes fue el que hizo para la revista OZ como el célebre retrato de Bob Dylan en el número de noviembre de 1967 que se transformó en una de las imágenes icónicas del músico.

Dr. Alderete

Por su estética, bien podría pasar como mexicano, pero no, Dr. Alderete que se ha metido en las entrañas de la escena indie musical México, es argentino. Se basa especialmente en luchadores enmascarados y por los cuales es reconocido mundialmente. Además, ayudó a fundar un sello discográfico: Isotonic Records. Ha diseñado las portadas de bandas como Lost Acapulco y Sonido Gallo Negro y desde entonces solo se ha dedicado a eso.

Stefan Sagmeister

Es un rockstar del diseño gráfico. No sólo es reconocido por el trabajo de su agencia Sagmeister & Walsh, a lo de su carrera ha acumulado colaboraciones con iconos de la industria musical a través del diseño y desarrollo de portadas de discos ganadoras de premios Grammy incluyendo a Jay-Z, The Rolling Stones, Lou Reed, David Byrne y Aerosmith.

Derecho y deber de imaginar: Vicente Segrelles

Nació en 1940 en Barcelona, sobrino de Josep Segrelles. Gracias a la influencia de su padre al que le gustaba dibujar, pintar e inventar, así como también de su tío, reconocido internacionalmente como ilustrador, gran acuarelista, Vicent pudo adentrarse en el mundo de la ilustración.

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A partir de los 14 años entra a la escuela de la antigua empresa española ENASA, ubicada en Barcelona y dedicada a la fabricación de automóviles como los de la marca Pegaso. Allá comienza a realizar dibujos técnicos y después artísticos, mismos que son publicados y admirados por la empresa española. En ENASA puede desarrollar más el dibujo artístico. 
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En 1963 deja la empresa para trabajar en distintas agencias de publicidad y decide experimentar distintas técnicas. Es en 1970 que opta por el camino de la ilustración. Tras hacer dibujos históricos para las Ediciones AFHA, realizó otras ilustraciones para agencias como Selecciones Ilustradas y Norma Ediciones.
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Más tarde, se dedica principalmente a la Fantasía. A partir de 1980, se dedica a realizar cómics como El mercenario, que hizo algunas apariciones en la revista ligada a Norma Ediciones, llamada Cimoc. Pinta al óleo sus viñetas con la técnica del color directo, que consiste en seguir el dibujo de la viñeta sin añadir tinta negra; utiliza la viñeta como lienzo. Pinta con óleo hasta el décimo tomo del Mercenario, en 1998, cuando lo sustituye por la computadora.

En 1999 escribe “Cómo pinta Vicente Segrelles”.

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Vicente Segrelles invita al espectador a soñar. Es un artista que transmite emociones a través de sus cómics, en los cuales encuentra la belleza y el peligro de la naturaleza; de distintos seres, distintas ciudades, en diversos momentos y lugares.
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Tiene la facultad de imaginar y transmitirnos esa imaginación; de presentarnos la grandeza del universo, ilimitado. Se trata, además, del carácter ilimitado de la mirada humana hacia lo desconocido, que no suele suceder en nuestro mundo quizá porque nos hemos olvidado de la facultad de sorprendernos de todo lo que puede ocurrir; de lo que está bajo nuestros ojos, y que no vemos más.
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Es un artista que retoma las culturas, los cultos y los mitos de la humanidad. Es nuestro guía en un viaje lleno de imágenes; un viaje que ocurre en nuestro interior y que nos lleva a la búsqueda de la Libertad.
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“Selfistas” Obsesión infinita. But first let me take a selfie.

obsesion infinita

Al fin terminó el desfile de fotos y fotos y fotos que al final era lo mismo: selfies. Real, no pudo quedarle otro nombre a esta exposición que, se transformó en un “selfiadero” y en una obsesión infinita por conseguir a como de lugar una foto en una de las salas, olvidando completamente el objetivo y las razones por las cuales la artista Kusama ofreció al público esta exposición.
Visitar un museo puede ser la manera de involucrar a las personas de forma integral, pero, si se aborda dicha visita desde la compulsión por fotografiar, ésta queda reducida a una experiencia visual unidimensional. ¿Qué está pasando con la sociedad? La relación que ésta tiene no sólo con el arte; sino también con las personas, con la comida, con sus mascotas y con todo lo que lo rodea está basada en imágenes que cumplen la función de “validar la experiencia”, la fotografía se transformó en la única relación que se mantiene, en este caso, con las piezas de tan aclamado arte.
Llegar al grado de filas interminables -así como las selfies-, soportar frío y estar horas, literal HORAS formados esperando entrar para tener la oportunidad de disfrutar una de las ¿miles? De exposiciones que se han llevado a cabo en ésta la ciudad de los museos, creo yo, sólo puede significar una cosa, el deseo y el grito de los ciudadanos que exigían más cultura, más arte contemporáneo ¿Sí, no? No sé si la expectativa fue creada por el mismo museo, medios de comunicación y entusiastas del arte contemporáneo, o porque ninguna persona quería perderse una fotografía plagada de lunares de colores brillantes.

Carne y libertad de expresión: Miss Van

Miss Van nació en 1973, en Toulouse, Francia. Vive ahora en Barcelona y ha expuesto sus obras internacionalmente. Recientemente, algunas de éstas fueron presentadas en el Affordable Art Fair de México del 15 al 18 de octubre de 2014.

Miss Van desarrolla figuras femeninas en sus obras por medio del diseño y la pintura. Los cuerpos femeninos son los de mujeres sanas. Sus personajes se presentan siempre enmascarados o escondidos de alguna manera. Permite que actúen afuera de lo cotidiano de la sociedad pero siempre dentro de ella; y vuelve a los individuos lo que quieran ser. Sus pinturas están relacionadas con el carnaval, una fiesta pagana, en el sentido original de Pagus (país). Se trata del pueblo en una fiesta popular, celebrando al cuerpo; efímero, que se vive en el instante.

Se puede admirar la animalidad del ser humano, sus metamorfosis en animales y las relaciones con ellos que no es la transgresión de una ley; es solamente la relación de la vivencia con la naturaleza y la aceptación del hombre de sí mismo y de su génesis. Es por eso que Miss Van a través de la imagen del carnaval, se burla de los prejuicios sociales y religiosos. Entonces, define algo burlesco como sensual y sexual.

La artista exprime lo anterior con los trazos delicados del lápiz, de los suaves y reveladores pasteles y acrílicos aplicados en los cuerpos y en las vestimentas. Sus personajes aparecen en espacios realistas que parecen salas de baile, cabarets… Pinta cuadros como murales en los que la mujer se expresa.

John Holcroft: El reflejo de una sociedad consumista

La vida humana está regida constante o completamente por el consumo, los estándares, las tendencias, etc. Ahora, nos hemos convertido en una maquina consumista que devora y acepta todo lo que está a nuestro paso, no nos damos cuenta que nos estamos volviendo dependientes a las innovaciones tecnológicas y nos estamos aferrando a un paradigma social que se basa en una vida robotizada con la intención de producir para consumir.

El artista británico John Holcroft estudio diseño gráfico en la universidad Sheffield en Inglaterra, su trabajo se vio influenciado por David Cutter y Edward Hopper, igualmente artistas. Sus obras pictóricas experimentaron varios estilos inspirados en la sociedad actual. Cada una de ellas, es el reflejo de una crítica social, invadida de vicios, consumo excesivo, uso abusivo de redes sociales y de la tecnología. Críticas a las relaciones de pareja y la decadencia en la que vivimos día a día por nuestras propias prácticas.

Las ilustraciones están inspiradas en anuncios antiguos y embalajes de los años 50´s al estilo retro. Un reflejo nítido de nuestra triste realidad.

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Cada like en alguna de las redes sociales es el alimento perfecto que mantiene sano a nuestro ego.

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La felicidad se ha basado en producir mediante el trabajo excesivo bienes y servicios que nos ofrecen beneficios temporales, por lo tanto, nos vemos en la necesidad de producir cada vez más.

nítido nítidnítido de nuestra realidad

La absenta y el arte

La absenta o ajenjo fue una bebida muy popular entre los artistas
 bohemios y clases altas del siglo XIX.

la abstenta arteEs un licor destilado de diversas hierbas como la menta, el anís, el ajenjo y la angélica. Comenzó a consumirse en Suiza, pero fue en Francia donde tuvo más auge, ya que era consumida por artistas y escritores, adquiriendo el nombre de “El hada verde”, sus efectos alucinógenos ayudaban a que llegara la inspiración al artista. Degas Manet, Picasso, Van Gogh, Toulouse-Lautrec Hemingway y Wilde, por mencionar algunos, basaron su inspiración en esta bebida verde. Se dice que Van Gogh estaba bajo los efectos cuando se cortó la oreja.
En el año de 1905 la prohíben por primera vez en Bélgica, debido a los múltiples asesinatos y muertes que sus efectos alucinógenos provocaba. Muchos artistas murieron jóvenes o sus carreras se vieron truncadas por el consumo frecuente. Otros únicamente la consumían ocasionalmente y se dedicaron a plasmar mediante sus obras los efectos en el consumidor.

HIERBAS ABSTENTA

Hay referencias en papiros egipcios y textos sirios del consumo por sus cualidades diuréticas y antisépticas. Quitaba la fiebre y era utilizado como antídoto para el veneno de cicuta.
Aquí te dejo algunas obras de aquellos artistas consumidores y que, mediante ellas se encargaron de plasmar sus efectos.

Edgar Degas "El ajenjo"
Edgar Degas “El ajenjo”

Pintada entre 1875 y 1876. Refleja el ambiente del Café “La Nouvelle Athénes” en París. Un hombre pintor y bohemio Desboutin Marcellina que mira hacía un lado, mientras que la actriz Ellen Andrew tiene la mirada perdida.

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Picasso “La bebedora de absenta.”
Manet "Bebedor de ajenjo"
Manet “Bebedor de ajenjo”
Viktor Oliva "El bebedor de abstenta."
Viktor Oliva “El bebedor de absenta.”
Jean Beraud "El bebedor de abstenta"
Jean Beraud “El bebedor de absenta”

Para más información consulta: Montes de Oca Sicilia, María del Pilar. Chicos malos: Villanos, Monstruos y Almas Perdidas. Editorial: Otras Inquicisiones S.A. de C.V. México 2010.

La importancia y significado del color negro

Elegancia y sobriedad. Color misterioso que marcó tendencia. 

La moda suele transformarse conforme a los estándares sociales, culturales, económicos y morales. Así como también, de acuerdo al clima. Uno de los elementos fundamentales de las tendencias son los colores. En la sección de arte y diseño se hablará de uno de los colores que, a pesar de su historia ha marcado tendencias importantes dentro del mundo de la moda.

En Europa del siglo XVI la corte española impuso el color negro como moda indumentaria el cual, sólo podía ser utilizado por la nobleza. Años más tarde, ésta sería imitada por el resto de la sociedad europea. A partir del siglo XIX el negro dejó de vestir exclusivamente a la clase alta, siendo utilizado por las demás esferas sociales. Su uso se generalizó en los uniformes de profesoras y en empleadas domésticas ya que era más fácil de limpiar y las manchas no se notaban tanto. Los infantes de la época la usaban como ropa de diario y en ocasiones especiales utilizaban colores claros. Por otro lado, el color negro se asoció con el luto, por lo que, la clase alta lo utilizaba únicamente en este tipo de ocasiones debido a que lo relacionaban con las empleadas domésticas o la clase obrera.

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Fue hasta el siglo XX gracias a la diseñadora Coco Chanel que el negro toma relevancia, logrando disolver su relación con las clases obreras y el luto a través de su “Petite Robe”. Las mujeres empezaron a utilizar elegantes vestidos negros y accesorios que resaltaban del mismo. A partir de ese momento, el “Little black dress” se convertiría en un must dentro del guardarropa.

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En el mundo de la moda, el negro a opacado a varios colores ya que, sin importar la época éste es un tono usado como comodín es versátil y atemporal. Además de que ofrece connotaciones tradicionales, de dignidad, humildad, autoridad, duelo e incluso rebeldía.

Hiperrealismo con: Marc Sijan

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El hiperrealismo es una expresión artística que surgió a finales de los años 60’s en Estados Unidos, derivado del arte pop. Esta tendencia al igual que la mayoría de las corrientes artísticas, se enfocan en reproducir personas, desnudos,  objetos y pasajes urbanos.

Marc Sijan es un artista que nació en 1946, de origen serbio; éste hiperrealista estudió artes en la universidad de Wisconsin. Actualmente, se dedica a esculpir la figura humana; ya que es un tema artístico antiguo y el primero conocido por el hombre.

La figura humana es el tema más difícil de trabajar; sin embargo, la técnica utilizada por el artista a partir de modelos vivos; la producción de un molde en yeso y la manera de esculpir el interior y cada uno de los detalles, hacen de su obra una de las más extraordinarias. La clave de Marc es proyectar las millones de características que posee el ser humano -imperfecciones de la piel,  color, quemaduras solares, manchas de nacimiento o de la edad.- Su obra es tan precisa que tarda aproximadamente seis meses en elaborar una sola pieza.

El poder de la propaganda en la Primera Guerra Mundial

Sabemos que la publicidad y la propaganda tienen un éxito rotundo al momento de posicionar algún producto/servicio o, transmitir ideales ya sean políticos o religiosos. Sin embargo, el “boom” que tuvo la propaganda en la Primera Guerra Mundial desencadenó su uso y fue imitado en otros enfrentamientos. La propaganda se creó en 1798, en La Belle Époque”, periodo comprendido entre las últimas dos décadas del siglo XIX y el estallido de la guerra de 1914. Aquello que era empleado como un recurso publicitario daría un vuelco por las calles europeas.

propaganda1Los póster eran utilizados para fines propagandísticos, con la intención de comunicar ideas sobre la guerra. En Estados Unidos, se utilizó para apoyar al nacionalismo; así como también, para la recaudación de fondos y reclutamiento de soldados y voluntarios. Seis semanas después de que ésta nación anunciara su participación en la guerra en abril de 1917; 73 mil hombres se enlistaron. En E.U. se realizaron 2,500 diseños y se produjeron aproximadamente 20 millones en dos años.

propaganda3Estados Unidos 1918.

La propaganda en la Primera Guerra Mundial logró que los individuos se inclinarán a cierto ideal político, su éxito fue tal que se utilizó para influir ideológicamente en otros enfrentamientos. La propaganda Nazi y el rápido ascenso del partido y finalmente el control total de la nación, es un ejemplo tenaz del poder que tienen los medios.

Pin-up Girls

pin-up3Este tipo de fotografías o ilustraciones fue un movimiento que surgió a mediados de 1920, gracias a la liberación femenina y al rompimiento de paradigmas y esquemas sociales que existían en esa época. La revista “Esquire” fue de las primeras publicaciones que le abrieron paso a este tipo de imágenes. Los retratos eran protagonizados por mujeres en diversas poses, ya sea sugerentes, sonriendo o saludando a la cámara o simplemente mirando al espectador, éstas encabezaron portadas de revista, cómic books, calendarios, etc.

En la segunda guerra mundial fueron consideradas un amuleto patriótico de buena suerte. Las imágenes eran enviadas a las tropas americanas en combate. Mujeres hermosas y estilizadas a través de pinceles que estrechaban su cintura, exagerando el busto y los pómulos. Cada pincelada suavizaba los rasgos del rostro, no importaba si la tez era morena o blanca, ésta debía ser luminosa. Los ojos eran delineados con líquido negro, adornados con sombras en tonos claros y los labios de un rojo provocativo. Los escotes en forma de corazón y hombros descubiertos las hacían más voluptuosas. Vestían faldas estrechas o pantalones de talle alto que marcaban el busto y los glúteos. El liguero como toque final que acompañaba a las medias, siendo éste uno de los gestos más sugerentes de la época.

Aquellas mujeres de labios rojos, cintura estrecha y curvas perfectas, se desenvolvían en contextos diversos. Sin embargo, no todas las imágenes provenían de la imaginación del artista; sino que también había mujeres que se dedicaban a posar y recibían el nombre de “Pin-up girls”. Actualmente son actrices de cine o cantantes las que realizan éste tipo de fotografías, debido a que es poco frecuente que una Pin-up girl se dedique únicamente a eso. Este tipo de fotografías se pueden encontrar en la última página de periódicos o revistas, siendo únicamente el comprador quien pueda observarlas.

Las Pin-up´s no se consideran pornográficas, actualmente son censuradas en algunos países en su mayoría islámicos.

Del Pin-up a la fotografía en blanco y negro